Faye Dunaway recebe tratamento HBO Docu-Portrait

No início Faye, o divertido retrato de Laurent Bouzereau para a HBO da lenda do cinema Faye Dunaway, Bette Davis em um clipe de Johnny Carson a nomeia sem hesitação como a única estrela com quem ela nunca mais trabalharia. Considerando que este é claramente um bio-doc muito autorizado e profundamente respeitoso, é surpreendente como ele explora com franqueza a reputação da estrela de ser temperamental e exigente. Dunaway até participa disso – as primeiras palavras que ouvimos são ela cutucando impacientemente o diretor para ligar as câmeras na entrevista atual que une as muitas lembranças e autorreflexões.

“Precisamos atirar; Estou aqui agora, vamos”, diz Dunaway exasperado. Sentada em um sofá de aparência confortável na sala arejada de um apartamento em Nova York, ela bufa: “Este é o pior lugar do mundo. Não estou feliz com nada aqui.” Mas quando ela então responde: “Eu preciso de um vidro de água, não de uma garrafa”, um rápido olhar cúmplice para a câmera sugere que ela está consciente o suficiente para possuir a reputação como parte da persona que criou.

Faye

O resultado final

Autorizado, mas refrescantemente franco.

Local: Festival de Cinema de Cannes (Clássicos de Cannes)
Com: Faye Dunaway, Liam Dunaway O’Neill, Annette Insdorf, Barry Primus, Chris Andrews, David Itzkoff, Hawk Koch, James Gray, Jay Zimmer, Jerry Schatzberg, Julie Salamon, Mara Hobel, Mark Harris, Michael Koresky, Mickey Rourke, Margaret M. Roth, Robin Morgan, Rutanya Alda, Sharon Stone, Tova Laiter
Diretor: Laurent Bouzereau

1 hora e 30 minutos

Mas será Dunaway “difícil”, uma palavra aplicada com muito mais frequência às mulheres na indústria do entretenimento do que aos homens? Ou ela é simplesmente uma “perfeccionista”, meticulosa com cada detalhe? O documento defende implicitamente que as duas palavras são quase intercambiáveis ​​para atrizes de cinema. Também deixa claro, como a própria Dunaway admite, que as mudanças voláteis de humor do transtorno bipolar causaram um comportamento errático ao longo de sua carreira.

Seu filho, Liam Dunaway O’Neill, se pergunta se a depressão maníaca nem sempre fez parte do desempenho de sua mãe: “Se ela não estivesse com tanta dor, ela teria sido tão boa assim?”

Dunaway reconhece uma tendência para manter as suas emoções reprimidas e lembra-se de ter sido persuadida por Elia Kazan, durante os seus primeiros dias na Lincoln Center Repertory Company, a libertar tudo nas suas actuações: “Ele ensinou-me que os meus sentimentos eram a minha força”. Sua ferocidade surpreendente em um clipe bem escolhido de seu papel vencedor do Oscar em Rede parece apoiar essa teoria.

A vaidade inerente de documentos legados como Faye, feitos com a participação do sujeito, tornam incomum que os cineastas sejam tão francos sobre um dos aspectos mais espinhosos de uma carreira célebre. Muito menos nos minutos iniciais do filme. Mas abordar essas questões antecipadamente tem um efeito desarmante aqui. Dunaway esclarece que não está dando desculpas: “Ainda sou responsável por minhas ações”. Mas ouvi-la falar com naturalidade sobre sua luta contra a doença mental e, mais tarde, contra o alcoolismo, coloca a intensidade febril de seu trabalho nas telas sob uma nova luz.

“Ela é todos os seus personagens em um só na vida real”, observa o filho. “Ela colocou um pouco de si mesma em seus personagens e um pouco de seus personagens em si mesma.”

Depois de estrear em Cannes – onde Dunaway tem sido um participante frequente durante anos e onde uma impressionante fotografia dela de 1970, feita por Jerry Schatzberg, foi escolhida para o pôster oficial do festival em 2011 – Faye estreará na HBO e estará disponível para transmissão no Max ainda este ano.

Tendo fornecido algum contexto pessoal, Bouzereau e o editor Jason Summers procedem cronologicamente, começando com uma recapitulação da educação de Dunaway como uma criança do Sul – chamada Dorothy Faye – que se mudava a cada dois anos quando seu pai, um oficial subalterno do Exército dos EUA , foi reabilitado. Dunaway diz que a experiência a ensinou a não formar apegos profundos e provavelmente explica por que a duração média de seus relacionamentos românticos é de dois anos.

Ela fala pouco sobre seu casamento com o fotógrafo britânico Terry O’Neill, além da encenação da famosa foto na piscina do Beverly Hills Hotel na manhã seguinte à sua vitória no Oscar. Menos tempo é gasto com seu primeiro marido, o roqueiro Peter Wolf. Mas ela reflete que Marcello Mastroianni, o ídolo italiano casado com quem ela iniciou um relacionamento clandestino durante as filmagens de Um lugar para amantespode ter sido o amor de sua vida.

O filme traça sua carreira de atriz desde a mudança de teatros de bairro para produções universitárias enquanto estava na Universidade de Boston. Pelo relato de Dunaway, ela estava na Broadway em Um homem para todas as estações apenas seis dias depois de se formar. A exposição nos palcos de Nova York chamou a atenção do produtor Sam Spiegel que a colocou em seu primeiro filme O acontecimentoem 1967. Otto Preminger Depressa, pôr do sol seguiu naquele mesmo ano.

Mas era Bonnie e Clyde isso fez dela uma estrela, com o diretor Arthur Penn prevalecendo sobre as reservas de seu protagonista e produtor Warren Beatty para escalar Dunaway para um papel para o qual nomes maiores estavam sendo considerados. A indústria estava eliminando gradualmente a autocensura do Código de Produção na época, e o filme de gângster reescreveu as regras sobre a representação da violência e da disfunção sexual na tela.

“Com Bonnie e Clydevocê tinha a sensação de que o band-aid havia sido roubado”, diz James Gray, que dirigiu Dunaway em Os quintais. Gray é um dos poucos colaboradores que compartilham ideias, junto com Mickey Rourke (Barfly), Falcão Koch (Chinatown), Barry Primus (Quebra-cabeça de uma criança em queda) e Schatzberg, que estreou na direção de longas-metragens neste último filme e esteve romanticamente ligado a Dunaway por um tempo.

Também foram entrevistados jornalistas e estudiosos de cinema, incluindo Annette Insdorf, Mark Harris, David Itzkoff, Julie Salamon e Michael Koresky. A amiga de longa data Sharon Stone, usando uma flor na lapela maior que sua cabeça, fala da generosidade e amizade de Dunaway. Isso começou quando ela pediu para observar Dunaway em uma sessão de fotos e lhe disseram: “Claro, garoto, fique fora da minha linha de visão”.

Atenção significativa é dada a Chinatown, incluindo uma anedota divertida sobre o diretor Roman Polanski arrancando um fio de cabelo da onda de Marcel de Dunaway, desencadeando um discurso de palavrões. Dunaway observa com bom humor que seu co-estrela Jack Nicholson a apelidou carinhosamente de “Dread”, como em “The Dreaded Dunaway”.

Assim como Chinatown aproveitou a consciência da era Watergate sobre abusos de poder, Rede foi também um lançamento zeitgeisty, apontando para a amorfa da verdade na televisão, já que o lucro obscurecia completamente qualquer vestígio do meio de comunicação como serviço público. O diretor Sidney Lumet, em uma entrevista de arquivo, lembra-se de ter dito a Dunaway que sua personagem, uma implacável executiva de programação que se preocupa apenas com classificações, tinha vulnerabilidade zero e se ela tentasse dar-lhe alguma, ele a cortaria.

Os comentaristas discutem a anomalia de uma mulher ser retratada como uma jogadora de poder não menos cruel do que qualquer homem e, em certo sentido, foi uma jogada corajosa para Dunaway, no auge de sua fama, assumir um papel fundamentalmente carente de decência humana. Essas observações se enquadram no quadro geral de sua quebra do molde estereotipado das mulheres da tela, indo além do padrão de esposa, namorada ou mãe.

Alguns filmes do auge de sua carreira recebem tratamento superficial, como O caso Thomas Crownenquanto outros gostam Três dias do Condor, Pequeno grande homem ou O Inferno Imponente são representados apenas em breves clipes ou fotos de produção, se houver.

Mas qualquer um que espere que Dunaway encobre o clássico cult inadvertido, Querida mamãe, ficará surpreso com o escrutínio que recebe. Apesar de expressar um “enorme parentesco” com Joan Crawford como personagem, Dunaway olha para o filme biográfico como um passo em falso na carreira, culpando o diretor Frank Perry por não lhe ter ajudado a moldar suas cenas ou controlar sua atuação. Stone concorda que o desempenho foi menos um problema do que a maneira como Perry enquadrou o personagem: “Diga-me como você interpreta esse papel”.

Mara Hobel, que interpretou a jovem Christina Crawford em algumas das cenas mais tensas de abuso infantil, enfatiza que Dunaway estabeleceu uma confiança real entre eles e ela nunca teve motivos para sentir medo. Ela fica emocionada ao discutir a recepção irônica do filme.

Os aficionados de Dunaway como um ícone fabuloso do acampamento provavelmente ficarão desapontados com a representação mínima dada ao seu papel de vilã em Supergirl; seu fotógrafo de moda ao estilo Helmut Newton, com visões clarividentes de assassinato em Olhos de Laura Mars; ou sua transformação selvagem como uma aristocrata do século 17 que se tornou assaltante de estrada em A senhora máem que Dunaway literalmente arranca a roupa de uma rival romântica na execução pública de seu amante.

Parece uma pena que ela não esteja disposta a abraçar algumas das coisas divertidas, e Bouzereau, cujos créditos incluem materiais de bastidores em Chinatown, Rede e Querida mamãe, obviamente sabe quem é o chefe. Ele toma cuidado para não tentar levá-la a qualquer lugar onde ela não queira ir.

Embora seja feito um breve reconhecimento de seus papéis na Arizona Sonho, Dom Juan DeMarco e O mensageiroé compreensível que Dunaway opte por não insistir na crise vertiginosa que sua carreira sofreu, especialmente nos anos 90. Os quintais e o filme de TV de 1998 Gia estão entre os poucos títulos desse período que deixaram algum tipo de pegada cultural.

Isto é abordado apenas superficialmente numa referência à sua carreira como “antes e depois Querida mamãe”, com o subtexto tácito de que a indústria raramente dá outra oportunidade às mulheres depois de um fracasso tão doloroso.

Uma das maiores decepções para Dunaway foi ter que abandonar o filme da peça de Terrence McNally sobre Maria Callas Classe mestre, do qual ela comprou os direitos após ser a atração principal da turnê nacional. O projeto começou a ser rodado, com Dunaway adaptando o roteiro, dirigindo e estrelando, mas desmoronou quando o financiamento acabou. “Eu queria muito na época”, diz ela, admitindo que deveria ter contratado um diretor experiente.

Para aqueles de nós que amam Faye Dunaway no cinema, o documento de Bouzereau será uma visão agridoce. Ele reexamina sua série de performances brilhantes e resplandecentes em um punhado de clássicos de Nova Hollywood, mas também nos deixa refletir sobre o quão brutalmente ela foi marginalizada, o que é incomum para uma estrela de cinema de sua estatura. Felizmente, com base nas evidências aqui apresentadas, Dunaway parece aceitar as colinas e vales da sua carreira, emergindo deste retrato como uma mulher cuja força supera a sua fragilidade.

Hollywood Reporter.